(16 de marzo, 1799 - 9 de junio, 1871) Inglaterra. Botánica y fotógrafa inglesa. Se le considera la primera persona en publicar un libro ilustrado con imágenes fotográficas: "Fotografías de algas británicas: impresiones de cianotipo" (1843). Algunas fuentes afirman que fue la primera mujer en crear una fotografía. Anna recibió una educación científica inusual para una mujer de su tiempo. Persiguió sus intereses en la botánica recolectando plantas secas, que probablemente se usaron más tarde como fotogramas. Fue elegida miembro de la Sociedad Botánica de Londres en 1839. Su padre, John George Children, y su marido, John Pelly Atkins, eran amigos de #WilliamHenryFoxTalbot. Anna aprendió directamente de Talbot sobre dos de sus inventos relacionados con la fotografía: la técnica del "dibujo fotogénico" (en la que un objeto se coloca sobre un papel sensibilizado a la luz y se expone al sol para producir una imagen) y los calotipos. Imágenes de Dominio Público.

Alyssa Carson, la astronauta de 19 años que se convirtió en la persona más joven en la historia en superar todas las pruebas aeroespaciales de la NASA y quien ahora se prepara para ser el primer ser humano en viajar a Marte. Mientras muchas mujeres desconocidas luchan cada día por pertenecer a puestos y oficios históricamente dominados por hombres, la sociedad continúa premiando lo superficial; lo estético; lo que vende. También es entrevistada con frecuencia para hablar sobre su objetivo de la infancia de convertirse en astronauta y viajar a Marte. Carson también ha estado involucrada con varios productos relacionados con el espacio, incluido el "equipaje espacial" diseñado por Horizn Studios y la participación en el equipo en la prueba del traje espacial de Final Frontier Design para la sede de la Agencia Espacial Canadiense. Carson promueve calzado para Nike y electrodomésticos para SodaStream. Premios En 2017, Carson fue nombrada uno de los nueve jóvenes héroes de Luisiana, un premio otorgado a estudiantes de secundaria excepcionales por Louisiana Public Broadcasting . En 2019, Carson recibió el premio LSU Women's Center Esprit de Femme Award y fue la ganadora más joven de ese premio hasta la fecha. Carson fue honrada por la revista Louisiana Life como Luisiana del año 2020 en la categoría de ciencia. Su perfil de Instagram @nasablueberry

María Olvido Gara, más conocida por su nombre artístico Alaska, es otra de las figuras más influyentes en esto que llamamos “siniestreo”. La mexicana se unió como guitarrista al grupo Kaka de Luxe, hasta que en 1979 se convirtió en la vocalista y compositora de Alaska y los Pegamoides, banda con la que alcanzó el éxito popular con el sencillo “Bailando”. A partir de 1983, formó parte de Alaska y Dinarama, formación que cuenta en su haber con clásicos como “Perlas ensangrentadas”, “Ni tú ni nadie”, “Un hombre de verdad”, “A quién le importa”… Su trayectoria musical se vio reforzada de manera exponencial por el programa televisivo “La bola de cristal”, espacio que reflejaba el cambio sociopolítico que supuso la Transición española y la explosión cultural y musical conocida como “la Movida madrileña”. En 1989, nuestra “chica Almodóvar”, formó Fangoria, junto a Nacho Canut, el cual la acompaña desde sus inicios musicales, y con el que viró hacia la electrónica y el pop algo más mainstream.

Ana Curra puede ser considerada como la máxima referente del post-punk español, no sólo porque sigue activa y con la misma fuerza que destilaba en los escenarios en los 80’s, sino también por haber dejado huella y formar parte de la historia de la música contemporánea en nuestro país. Esta pianista y compositora formó parte de la primera formación de Alaska y los Pegamoides, antes de integrarse en Parálisis Permanente, banda que sin duda más le marcó tanto a nivel profesional como personal (el carismático Eduardo Benavente) y Los Seres Vacíos. Ana Curra creó el primer sello independiente que hubo en España, Tres Cipreses. Además son muy conocidas sus colaboraciones con Digital 21, Los Vengadores o We Are Not Brothers entre muchos otros, además de ser la musa del fotógrafo Alberto García-Alix. Lo último de Ana, HIEL, dedicado a época de pandemia.

No tendría mucho sentido hablar de Nina Hagen y no hacerlo de su gran amiga Lene Lovich. Lovich es una cantante, compositora y música estadounidense (de origen, aunque la mayor parte de su vida la pasó en Inglaterra). En 1979, Lene Lovich y Nina Hagen compartieron protagonismo en el film, ya de culto, “Cha Cha”, película holandesa escrita por Herman Brood y dirigida por Herbert Curiel. Ese mismo año, su sencillo “Lucky Number” alcanzó el puesto número 3 en la lista de singles del Reino Unido y la convirtió en una figura destacada de la escena musical new wave con su álbum debut “Stateless”. La llamada “Queen of Quirk” ha influenciado, sin duda alguna, no sólo a su amiga y compañera de batallas Nina Hagen, sino también a otros artistas como Madonna, Boy George o Dresden Dolls, con quienes ha interpretado el tema “Delilah” en numerosos directos.

La actriz y cantante berlinesa se hizo internacionalmente famosa por mezclar su estilo punk desenfadado y gamberro con su forma de cantar operística. La trayectoria de Nina Hagen siempre ha estado rodeada de polémica. A principios de los 80, Hagen protagonizó un escándalo durante su aparición en un talk show austriaco (Club 2), donde simuló una masturbación y era habitual que en sus apariciones públicas ella diera su postura “sin pelos en la lengua” acerca de Dios y la actualidad social y política que le rodeaba. En 1982 Hagen realiza su primer disco como solista: “NunSexMonkRock”, donde mezcla punk, funk y ópera. Al año siguiente graba el álbum “Angstlos”, cuya versión inglesa generó dos de los máximos hits que se escucharon en los “dancefloors” norteamericanas: “Zarah” y “New York, New York” (que llegó al top 9 en el Billboard), tema absolutamente opuesto al clásico del mismo título cantado por Frank Sinatra y Liza Minnelli. Tanta es la influencia de Nina Hagen en la música, especialmente en Alemania, que la ex canciller Angele Merkel despidió formalmente su cargo al ritmo de “Du hast den Farbfilm vergessen”, aunque nosotros preferimos que escuches éste:

Diamanda Galás (San Diego, 29 de agosto de 1955) es una vocalista, performance, compositora y pianista concertista estadounidense. Diamanda, que no deja a nadie indiferente, ya que o la odias o la amas, ha incursionado en la música de vanguardia y en géneros como el jazz, el blues y la dark wave, entre otros muchos. Diamanda, de origen griego, posee una voz lírica descrita como «capaz de provocar los más terroríficos sonidos vocales». Galás usa frecuentemente un estilo de canto que incluye gemidos, gritos y glosas como parte de su genuina idiosincrasia artística. Su trabajo se centra mayoritariamente en temas como el sufrimiento, la desesperación, la condenación, el ocultismo, la injusticia, la opresión social a minorías y la pérdida de la dignidad. Ha trabajado con varios compositores vanguardistas, como Iannis Xenakis, Vinko Globokar y John Zorn; e incluso trabajó con el prestigioso compositor de música clásica y de bandas sonoras Wojciech Kilar, en el célebre OST del film Dracula de Bram Stoker.

Otra figura femenina icónica del “spoken word” es Lydia Lunch. La neuyorkina no sólo es poetisa, sino también cantante, actriz, fotógrafa y escritora, por lo que su trayectoria abarca desde los años 70 hasta el momento presente. Lunch fundó Teenage Jesus & The Jerks en 1976, junto al saxofonista James Chance, banda fundamentale dentro de la “No Wave”, movimiento que, a pesar de su corta duración, pues finiquitó con la separación de la banda, fue determinante en otros artistas como Brian Eno, quien recopiló cuatro temas de la formación para su “No New York”, donde se hacía eco del mencionado movimiento subversivo, en contra del paso de ciertas bandas del punk al new wave con la década de los 80’s. Lunch tiene un estilo musical tan versátil como sus ricas influencias musicales que van desde el jazz, pasando por el post-punk, el noise, el cabaret, e incluso la electrónica. Ha colaborado con Nick Cave y Sonic Youth entre otros muchos nombres.

Anne Charlotte Clark no es una cantante al uso, es más una poetisa de origen inglés, pionera en ese arte que llamamos “spoken word”. Su carrera comenzó a principios de los ochenta, en plena efervescencia “new wave” y alcanzó las listas de éxitos muchas veces con las composiciones de David Harrow. También ha trabajado con Vini Reilly y Martyn Bates. En 1982, Clark publicó su primer álbum, “The Sitting Room”, pero no fue hasta que la acompañó el teclista David Harrow cuando comenzó a ser considerada una diva dentro de la escena europea de esa “nueva ola” a la que antes nos referíamos. “Sleeper in Metropolis”, “Our Darkness” y “Wallies”, se han considerado hitos de la música. En particular “Our Darkness” ha sido considerado como uno de los 20 mejores discos de electrónica industrial de todos los tiempos. Podemos afirmar que bandas como Years of Denial, Dina Summer y Boy Harsher, beben directamente de Anne Clark y de su forma de recitar palabras sobre acordes musicales.

Todos conocemos la magnífica “Song to a Siren” tema original de Tim Buckley que popularizaron This Mortal Coil (4AD) en 1983, gracias a la singular ejecución vocal de Elizabeth Fraser, quien puede ser considerada una de las cantantes con más personalidad y estilo propio de los últimos 40 años. Liz Fraser, vocalista y compositora británica, formó parte indispensable de la banda pionera de dream pop Cocteau Twins. La extensa y prolífera carrera de la banda se vio interrumpida a finales de los 90, ya que la artista y Robin Guthrie, fundador de la formación, tuvieron una intensa y tortuosa historia de amor que finalmente sobrellevó a su separación y por ende la de Cocteau Twins. Desde entonces, Fraser ha colaborado esporádicamente con artistas de la talla de Craig Armstrong, Peter Gabriel o Massive Attack, habiendo grabado tres canciones para el álbum “Mezzanine” de estos últimos, incluyendo el éxito internacional “Teardrop”. También ha participado en bandas sonoras de varias películas como In Dreams, Cruel Intentions o El Señor de los Anillos: La Comunidad del Anillo y Las Dos Torres.

Esta compositora y cantante australiana se hizo conocida masivamente a raíz de su trabajo junto a Hans Zimmer para la película “Gladiator”, por el que recibió un Globo de Oro, pero para los oídos inquietos era ya una de las divas de la historia de la música gracias a Dead Can Dance, dúo que formó a principios de los 80 junto a Brendan Perry y que podremos disfrutar en Barcelona el próximo 30 de mayo. Dead Can Dance son casi inclasificables y únicos, ya que combinan la atemporalidad de influencias de música de todo el mundo, con cantos medievales, baladas folk ancestrales, toques de música electrónica, celta y barroca, e incluso en algunos trabajos, especialmente su álbum homónimo, el rock gótico, el dark wave y el post-punk. La voz de Lisa Gerrard es considerada una de las más especiales y auténticas de la historia de la música reciente, no sólo por abanico de registros, sino también por cantar en idioglosia, un lenguaje que ella misma elaboró desde que tenía doce años. La influencia de Lisa Gerrard puede verse en bandas contemporáneas como Reserva Espiritual de Occidente, Ataraxia o Jarboe.

Siouxsie Sioux, artista nacida Londres en 1957 con el nombre de Susan Janet Ballion, es una de las pioneras en la música rock alternativa y ha influido a infinidad de músicos y bandas alrededor del mundo. Siouxsie, líder de la banda Siouxsie and the Banshees (1976-1996) y de su banda paralela, The Creatures (1981-2005) es una de las mujeres referentes en la escena after-punk. Títulos como “Happy House”, “Kiss Them For Me”, “Christine”, “Israel” o la versión de “The Passenger”, tema original de Iggy Pop, están en la memoria colectiva de todo el que se adentre en el rock londinense de los 80’s. En 2004 comenzó su carrera en solitario y en nuestro país pudimos disfrutar de ella cuatro años después, en el mini encuentro que se organizó en la capital a propósito del Festival Internacional de Benicassim. La cantante y compositora británica, una bestia sobre el escenario, puede presumir de haber influido a otros artistas como la prolífera PJ Harvey o a grupos como Massive Attack y LCD Sondsystem entre muchos otros.

Las mujeres siempre fueron valoradas dentro de lo siniestro y no es para menos, ya que algunas han marcado tanto la música dark como la propia historia de la música contemporánea, así mismo, cabe recordad que cuando hablamos de escena "dark" lo hacemos teniendo en cuenta un amplísimo abanico musical que va desde el post-punk a la new wave, el EBM, el industrial, el neofolk y el rock gótico más clásico. Repasamos las que creemos 10 féminas fundamentales en esta escena, que además, sigue más presente que nunca con sellos como Oráculo Records, A+W, Frigio Records o Festivales como Ombra. En las siguientes entradas vamos a desgranar la trayectoria de nuestra 10 Damas Dark a las que quiero homenajear y dar el lugar que se merecen en conmemoración de este 8M del 2022.

Ocultas en una casa de Sant Cugat del Vallès a punto de ser derribada, aparecen dos cajas rojas. En el interior se esconde un tesoro totalmente inesperado: miles de fotografías que Antoni Campañà Bandranas (1906-1989) hizo durante los tres años de la Guerra Civil: un enorme friso de la vida en guerra de uno de los grandes fotógrafos pictorialistas del país. Republicano, catalanista y católico practicante, Campañà retrata una realidad trágica y contradictoria, rica en matices y en complejidad, con contrastes menudo dolorosos. ¿Por qué un fotógrafo hace cinco mil fotografías de la guerra en su país y las termina cerrando en un par de cajas? No quiso que nadie viera aquellas fotografías, pero no las destruyó. Campañà nos interpela sobre la memoria histórica. Al humanizar todos los bandos, debe ser el espectador el que juzgue si su actitud fue equidistante o un reflejo de quien observó con cierto vértigo la complejidad del comportamiento humano. Documental que ofrece Rtve. - https://www.rtve.es/play/videos/imprescindibles/antoni-campana-la-caja-roja/6198838/?fbclid=IwAR0z9h25Pj6vDaBx9w1-lMJq2egNmmnZwAFWXOMx9fL_1DMdbexiKK2WyPI FICHA TÉCNICA Dirigido por: Plàcid García-Planas, Arnau Gonzàlez i Vilalta, Toni Monné i Campaña Género Historia

'Parque Delessert, XVI', 1914.EUGÈNE ATGET / PARIS MUSÉES / MUSÉE CARNAVALET-HISTOIRE DE PARIS 'Fortificaciones, puerta de Sèvres, XV', 1923. . 'Plaza de Tertre, Montmartre, XVIII', 1922. 'Cabaret de l’Homme Armé, 25, calle de Blancs-Manteaux, IV', septiembre de 1900. 'Vieja mansión, calle de Fourcy, 6, IV', 1910. 'Antiguo hotel Sully-Charost, calle de Cherche-Midi, 11, VI', 1904. 'Fuente del pasaje de Singes, calle de Guillemites, 6, IV', 1911. 'Esquina del depósito de Bercy, calle Léopold, XII', 1913. 'Embajada de Austria, calle de Varenne, 57, VII', 1905. 'Un rincón del puente Marie, IV', 1921. 'Iglesia de Saint-Médard, V, 1900-1901. Esquina de la plaza Saint-André-des-Arts y de la calle Hautefeuille, VI', 1912. Calle de Chantres, IV', 1923. 'Casa de Balzac, calle Berton, 24, XVI', 1913. Durante tres décadas y como un solitario paseante, el fotógrafo documentó París. Una muestra en la Fundación Henri Cartier-Bresson hace hincapíe en su condición de artista. Voir Paris. Eugène Atget. Fundación Henri Cartier-Bresson. París. Del 3 de junio al 19 de septiembre. Voir Paris. Eugène Atget. Atelier Editions Xavier Barral, 2021. 224 páginas. 42 euros. Fuente: https://elpais.com/babelia/2021-05-27/eugene-atget-el-cronista-del-viejo-paris.html

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Simplificado al máximo, el proceso que sigue una fotografía digital hasta acabar impresa en tus manos es más o menos este: Apuntas tu cámara en dirección a una determinada porción del mundo Pulsas el botón de disparo La luz entra a través del diafragma y el obturador y alcanza el sensor El sensor la convierte en un archivo informático con un determinado formato que se almacena en la tarjeta de memoria Descargas el archivo en tu ordenador y lo abres en tu programa de edición fotográfico favorito Procesas la imagen basándote en lo que ves a través de tu monitor Exportas la imagen una vez procesada en forma de (otro) archivo informático Envías ese archivo a tu impresora o lo haces llegar a un laboratorio donde harán lo propio con la suya Tu imagen se imprime con unas determinadas tintas en un papel con ciertas características (y color) Hasta ahí todo más o menos claro. Ahora bien, si tenemos en cuenta que las cámaras, los monitores y las impresoras interpretan y reproducen los colores de formas distintas… ¿Qué posibilidades dirías que hay de que lo que ves finalmente impreso en el papel se parezca al resultado que esperabas conseguir en el momento de disparar? Incluso olvidando la realidad fotografiada, ¿hasta qué punto puedes confiar en que se parece a lo que veías en tu monitor durante la edición? Si aspiras a que tus imágenes sean realmente tuyas, en el sentido en que tengan el aspecto que tú has decidido, necesitas entender todos los pasos, descubrir los posibles problemas y ponerles solución. A eso vamos con una serie de entradas que comienza hoy en las que revisaremos todo el proceso que va desde que pulsas el botón hasta que ves tu fotografía en papel. Pero antes, por si no ves clara la necesidad de imprimir tus imágenes, déjame que aproveche para citar unas palabras de mi admirado Eduardo Momeñe, que aparecen en su libro La Visión Fotográfica (un absoluto imprescindible en tu crecimiento como fotógrafo, créeme): Una fotografía no está acabada hasta que podemos tenerla presente en un papel (…) el positivado de una fotografía no es un complemento, es también la fotografía. Como en tantas otras cosas, el envoltorio, la presentación, es tan importante como el contenido…, de hecho son lo mismo. Eduardo Momeñe (en La Visión Fotográfica) Captura de la imagen Empecemos por el principio, claro. Antes de hablar de la cámara y sus capacidades, hablemos de la referencia que tenemos para valorarlas: nuestros ojos. Lo primero que tenemos que saber es que somos capacidades de apreciar un espectro de color muy amplio, tanto que es mayor que el que son capaces de registrar los dispositivos de captura (cámaras, escáneres, etc.) y del que consiguen reproducir los de salida (monitores, impresoras…). Sí, empezamos bien, lo sé. ;-) Espacios de color y modelos de color Vamos entonces al primer paso del proceso: sostenemos nuestra cámara y pulsamos el botón de disparo. La cámara registra la luz que entra hacia su interior, mediante un proceso conocido como demosaicing o interpolación cromática reconstruye una imagen con color dentro de un determinado espacio que por lo general puedes seleccionar de entre varias opciones, normalmente sRGB, Adobe RGB y a veces, también Prophoto RGB (si quieres saber cuál te conviene escoger, David GP tiene un buen artículo al respecto en su blog). Por tanto un espacio de color define la manera en que un determinado dispositivo representa los colores, dicho de otra forma, el espacio de color seleccionado en tu cámara condiciona la cantidad de colores que ésta puede registrar. Hay más de una manera de describir los colores, en el caso que nos ocupa nos interesan principalmente dos: RGB y CMYK, son los llamados modelos de color. Los dispositivos electrónicos crean los colores combinando luz del color de cada uno de sus tres primarios roja (R), verde (G) y azul (B) en distintas proporciones; cuando las tres se solapan se genera luz blanca, de ahí que al modelo de color RGB también se le llame aditivo. Nuestras cámaras, escáneres y monitores funcionan en RGB. Si los diferentes colores son el resultado de la combinación de tintas en lugar de luz, estamos hablando del modelo CMYK. En él cada color es el resultado de una determinada proporción de cian (C), magenta (M), amarillo (Y) y negro (K). Al contrario que en el caso RGB, al combinar los tres pigmentos C, M e Y al 100% se obtiene negro, esto es así porque por ejemplo la tinta cian absorbe todas las longitudes de onda del resto de tonos y sólo refleja (emite) la correspondiente al cian (por eso se ve de ese color), al mezclar las tres tintas esa combinación absorbe absolutamente todos los colores y no refleja luz alguna (se ve negra), por eso a este modelo de color se le llama sustractivo. Las impresoras y plotters que funcionan combinando pigmentos trabajan en CMYK. La gestión del color consiste en describir un determinado modelo de color (RGB, CMYK) mediante un espacio de color para que sea independiente del dispositivo empleado, así un determinado modelo de color como RGB puede describirse mediante los espacios sRGB, Adobe RGB y Prophoto RGB, y el modelo CMYK en espacios de color que por lo general están asociados a la tecnología de impresión: FOGRA, SWOP, ECI, etc. Gama de color Seguro que aquí ya intuyes un primer problema: la cámara con la que capturas tu imagen y el monitor en el que la ves para procesarla la muestran en RGB pero finalmente ésta acaba impresa en CMYK. Además, cada dispositivo del proceso (por lo general cámara, pantalla e impresora) tiene una determinada gama de color, que es la proporción de su espacio de color que tiene la capacidad de reproducir. Así es: cada espacio de color (CMYK, RGB) tiene una determinada forma, y cada dispositivo que opera en él sólo es capaz de reproducir una parte menor o mayor de él. En el siguiente gráfico puedes ver el espectro visible por el ojo humano (toda la mancha de colores) y en su interior, las formas de las gama de colores que cada espacio de color consigue reproducir. Las zonas que no se solapan corresponden a colores que no todos los ellos pueden representar. Por ejemplo, los colores en “1” son visibles para el ojo humano pero no se pueden reproducir ni en RGB ni en CMYK, en “2” están aquellos colores que tan sólo Adobe RGB puede mostrar, en “3” los que tanto Adobe RGB como CMYK pueden reproducir y “4” muestra la zona del espectro visible que puede ser reproducida tanto en CMYK como en RGB (Adobe RGB y sRGB). Conversión entre espacios de color Como te imaginarás, mientras trabajemos con colores dentro de “4” no habrá ningún problema, los conflictos surgen cuando, por ejemplo, quieres imprimir en el espacio de color CMYK de una impresora una imagen que contiene alguno de los colores que tanto tu cámara como tu monitor son capaces de reproducir (en Adobe RGB) pero que están en la zona “2” (fuera de la gama del espacio CMYK). Otra cosa diferente es que tu monitor te esté mostrando fidedignamente un determinado color, si no fuese así, aunque cayese dentro de la gama que tu impresora es capaz de reproducir, el resultado no sería exactamente el que estás viendo en pantalla como consecuencia de un mal rendimiento de ésta, es ahí donde entra la calibración del monitor que veremos muy pronto. Para imprimir en CMYK un archivo que se ha capturado y procesado en RGB con garantías hay que hacer una conversión entre sus correspondientes espacios de color. Durante esa transformación si la imagen contiene colores RGB fuera del espacio CMYK tienen que ser convertidos a colores similares dentro del espacio de color del dispositivo de salida para que éste sea capaz de reproducirlos. De todas formas tienes que saber que hoy en día las impresoras suelen gestionar el color según el modelo RGB y que el modelo CMYK está prácticamente relegado al entorno de imprenta. En definitiva Nuestra cámara captura imágenes en un determinado espacio de color RGB (que podemos seleccionar), nuestro monitor funciona emitiendo luz y también muestra las imágenes con colores propios de un espacio RGB, pero los dispositivos de salida como las impresoras sólo reproducen colores dentro del espacio de color CMYK. Esos espacios no se solapan completamente ya que cada dispositivo y proceso tiene una determinada capacidad para cubrir mayor o menor extensión del espacio de color en el que opera, llamada gama de color. Por ese motivo hay colores del espectro visible por el ojo humano que no pueden ser registrados ni reproducidos por todas las herramientas que empleamos. Fuentes y enlaces de interés: Gama de color y Modelo de color CMYK en Wikipedia Espacios de color RGB, CMYK y Color Lab en Xatakafoto ¿En qué espacio de color configuro mi cámara? por David GP www.rubixephoto.com

Los adolescentes que hacen cosas estúpidas e imprudentes no son un fenómeno nuevo ni exclusivo de la generación que crece con las redes sociales. La única diferencia es que en la década de 1950, volverse viral no era el objetivo. En cambio, los adolescentes probablemente recibirían algunos comentarios variados de un grupo pequeño de personas y la satisfacción de un trabajo bien hecho. Este grupo decidió asumir el desafío de ver a cuántas personas pueden meter en una cabina telefónica. Creemos que debe haber al menos 15, pero no estamos seguros exactamente. Article was originally published on our site 5dwallpaper.com

Alannah Joy Currie (nacida el 20 de septiembre de 1957 en Auckland , Nueva Zelanda) es una músico y artista, mejor conocida como ex miembro del grupo pop británico Thompson Twins. Formada como periodista, Currie emigró al Reino Unido en 1977. Currie ocupó varios lugares en el suroeste de Londres, y terminó en Lillieshall Road, Clapham Old Town. En 1979, con su vecina Trace Newton-Ingham (Traci Newton), cofundó el grupo de improvisación del terror punk , The Unfuckables. Los Unfuckables realizaron un "concierto" en una conferencia contra la psiquiatría a principios de 1980, celebrada en el Conway Hall, Red Lion Square, Londres. Para este concierto en particular, el grupo estuvo compuesto por los dos cofundadores, además de una variedad de músicos de la escena musical " underground " de Londres: En 1981, Currie se unió a Tom Bailey, Joe Leeway y otros para formar parte de los Thompson Twins, cuya formación incluía hasta siete miembros en sus inicios. Los Thompson Twins se convirtieron en trío en 1982 y firmaron dos importantes contratos discográficos con Arista Records antes de firmar con Warner Bros. Records. Currie fue letrista , percusionista, estilista visual y cantante de la banda y coescribió y grabó 6 álbumes que incluían discos de oro y platino. La banda actuó en el JFK Stadium de Filadelfia para el concierto Live Aid de 1985 y trabajó con artistas como Nile Rodgers , Madonna ,Grace Jones , Alex Sadkin y Jerry Harrison de los Talking Heads, entre otros. Para 1992, Currie y su esposo, el miembro de la banda de los Thompson Twins, Tom Bailey, se habían cansado y agobiados de que se esperara que persiguieran el éxito en las listas con el nuevo material de Thompson Twins. Después de recorrer la India para recopilar inspiración y muestras de audio, eligieron formar Babble , con Currie como letrista, percusionista y artista visual, como un medio para crear música sin las expectativas comerciales que se depositaron en los Thompson Twins. Currie regresó más tarde a Nueva Zelanda trabajando principalmente como artista del vidrio y activista ambiental. Fue fundadora de la ingeniería antigénica de #mujeresMovimiento Madres contra la Ingeniería Genética en Alimentos y Medio Ambiente (MAdGE). En 2004 diseñó una serie de vallas publicitarias de protesta que causaron controversia en Nueva Zelanda, pero ganó varios premios internacionales de arte / ciencia.